上一期：
极简乐器介绍
先从两张图开始吧：
上面的图展示的是常见的管弦乐团组成，大多数作品演奏是不需要这么多乐器的，当然也有一些甚至要得更多。
尤其是钢琴，一般是不会认为钢琴是管弦乐团的一部分的。绝大多数非钢琴协奏曲的管弦作品也是不会带钢琴的。
管弦乐团，自然是管和弦，主要可以分为以下几组：木管，铜管，弦乐，打击乐。
在上面的图中，正中央的是指挥，左边是高音弦乐（也就是小提琴），右边是中低音弦乐（中提琴大提琴低音提琴）。然后，正前方一般是木管组，再往前是铜管组。打击乐一般在中央的最后，以定音鼓为代表。
这也可以解释，为什么我们听管弦乐的时候，会感觉左边是小提琴，因为小提琴就在指挥的正左边。
以上是一个浪漫主义前期标准的交响曲的总谱结构（看不懂五线谱也没关系）。
从上到下：
木管组：长笛，双簧管，单簧管，巴松管
木管乐器声音往往比较温柔，轻巧。外表一般是金色或者银白色，拿起来一般还是比较轻便的。
木管往往也是非常不错的独奏乐器，各种木管乐器一般都会在管弦作品中有一些独奏solo的机会。而且各个乐器往往都极具特色：
长笛的声音自带悠扬的田园气息，一瞬间就仿佛让人置身于世外桃源的感觉，富有自然气息。长笛还有个兄弟是短笛，短笛的声音比本就音域非常高的长笛更高，当然对人耳朵的杀伤力也很大，因为音实在是非常的尖锐。
双簧管的声音悠长而哀怨，是一种非常非常让人着迷的声音。相比更多的是温柔，愉快色彩的长笛，更有一种幽怨，凄美的感觉。双簧管的solo部分（在我印象中）是木管乐器中最多的，而且一旦出场就是非常惊艳的感觉。双簧管也有一个好兄弟英国管，二者声音比较类似，英国管稍微低沉一点。
单簧管（又称黑管）的声音也比前面两兄弟要稍微低沉点的感觉，具体很难描述，更有一种扁的感觉，但同样是偏向于温柔的暖暖的感觉。但虽然说音色低沉，但其音域可一点都不窄，在每个音域段都能有不同的音色。
巴松管（又称大管）自然就是负责木管部分的低音啦。独奏机会比较少，但少了它又绝对不行。低音的乐器一般都有这种特点。
铜管组：圆号（在这个谱例中有两个），小号
铜管乐器一般在乐团中非常显眼，往往体型庞大，而且是黄金色外表。
铜管的声音往往是特别响亮，特别激烈的（当然，除了一个异端：圆号）
一般来说，铜管声音非常非常大，如果在乐团你坐在小号这种铜管乐器附近，可能耳朵要吃不消了。
铜管本身在浪漫主义前期和古典主义时期没有太多的存在感，但在浪漫主义时期中后期，铜管急速发展，可以看到乐谱简直大半个版面都是铜管乐器。庞大的铜管组能够造成无比震撼的，震耳欲聋的效果。
圆号的地位颇高，但它的声音其实在铜管中又有一些格格不入的感觉。圆号虽然是铜管，但它却是木管五重奏（即四个上面所说的木管+圆号）的一部分。相比其他铜管声音比较尖锐暴躁，圆号的声音是非常温柔的，而且有一种雄浑，柔中带刚的气势。一般管弦作品中有圆号齐奏的地方都会非常震撼，有一种史诗般的波澜壮阔感。
小号的声音尖锐响亮，想必大家也不会对小号的声音陌生。一只小号的声音就足以响彻整个音乐厅。小号因为存在感太强，声音过于锐利，实际solo独奏的机会并不算太多，但只要有，自然就是能被所有人记住的经典片段。小号往往在乐曲中营造一种激烈的战斗感，给管弦乐曲增加活力。
除此之外，还会一些小号的变种，例如长号，大号等。其声音就是小号在不同音域上的化身，这些一般在浪漫主义中后期才出现得比较多。
打击乐器：定音鼓等
打击乐器有很多种，定音鼓，钹，钢片琴，三角铁，钟，牛铃等等等等，尤其是到浪漫主义后期，打击乐器数量激增，例如著名的马勒第六交响曲的大锤子，也算是一种打击乐。
当然，其中最重要的最经久不衰的，自然就是定音鼓。
定音鼓（图中的timpani）其实简单来看，可以认为就是带音高的鼓，一般来说定音鼓的音高很少起直接作用，而且理论上是不可能有独奏机会的（当然也会有定音鼓协奏曲这种东西），所以就把它看成鼓就行了。任何一个乐团，没有鼓怎么行呢？
弦乐组：第一小提琴，第二小提琴，中提琴，大提琴，低音提琴
弦乐组毫无疑问管弦乐团的绝对核心，几乎主导了管弦乐曲的发展与进行。例如在看总谱时，有一二十种乐器看不过来怎么办？答案就是看弦乐组，看小提琴就对啦！
从小到大（也是从高音到低音）：
小提琴：众所皆知，管弦乐团的绝对核心。小提琴是非常出色的独奏乐器，当然需要伴奏，无伴奏的小提琴独奏还是略显单薄。最重要的是，小提琴是非常乃至最出色的合奏乐器，可以说是管弦乐队的基石。一个管弦乐团，基本上都是有20-30个小提琴手。首席小提琴手也是一个乐团除了指挥的第二人。
中提琴：管弦乐团的欢乐源泉（雾），一堆关于中提琴的黑梗。虽然黑得多，但中提琴的地位毋庸置疑。中提琴顾名思义，音域比小提琴低，比大提琴高，但其有些不上不下的音域反而成为被黑的理由（逃
大提琴：很多人觉得大提琴只能演奏低音，但其实我想说的是大提琴的高音（虽然并不是很高）反而更有魅力好吗！大提琴奏鸣曲数量也比中提琴奏鸣曲要多不少（又黑中提
低音提琴：默默无闻的低音机器，有的时候看似阿卡林，没有的时候瞬间就能发现不对劲。很多作曲家偷懒，大提琴和低音提琴可能共一个乐谱，早期的管弦作品甚至不要低音提琴。
一般的弦乐组组成：第一小提琴组15+，第二小提琴组12+，中提琴组~10，大提琴组~8，低音提琴组~6，当然这些都是根据乐团和具体乐队来。
钢琴：众所皆知，乐器之王啦~~ 一台钢琴等于一支乐队可不是浪得虚名。但要注意，管弦乐团是没有钢琴的~~一般作曲家作曲都是用钢琴的，可以说没有钢琴就没有这么优秀的音乐，当然也有不会钢琴也能作曲的（说的就是你，柏辽兹）。钢琴是最强的独奏乐器，钢琴独奏作品数不胜数，而且地位极其重要。钢琴当然也是最强的伴奏乐器，例如指挥上指挥课的时候，自然没有那么多乐团给他指挥呀，这个时候甚至要钢琴为其模拟乐队。
好的，乐器就简单介绍到这里。我个人是尽可能往简单的写了，但还是写了这么长。
关于认识乐器的声音，这个视频是一个很好的途径，强烈推荐！！
这个乐曲包含了所有乐器的独奏部分，而且也不长，可以配合弹幕把所有乐器的声音和样子过一遍~~
英语好的话可以听这个：
配合有英语的讲解，可以同时练习乐器的听力和英语听力hhh
极简音乐体裁介绍
最开始，乐器不发达，大家自然都是独奏啦。例如中国的传统音乐，发展了很多很多年，但其实关于合奏一直都不太成熟，始终以独奏为主。
关于独奏，这里面最常见的自然就是奏鸣曲啦。
奏鸣曲
奏鸣曲（Sonata），总而言之，就是奏鸣曲（hhh这不是废话吗）。因为它确实也没有什么意义，可以简单的类理解为独奏作品。但这么理解确实又是有问题的，因为小提琴奏鸣曲是钢琴和小提琴合奏，而不是小提琴独奏。
硬要说的话，奏鸣曲，可以说是单一乐器独奏（或者其他乐器加上钢琴伴奏）的最严肃、最经典的音乐体裁。因此，某种意义上的，钢琴奏鸣曲其实就是钢琴曲。奏鸣这两个字，只是体现出这个体裁的性质而已，也就是：我这个作品是奏鸣曲哟，是最经典，最规范的奏鸣曲哟~ 的这种感觉。
当然，奏鸣曲说是曲，其实并不是只有一个乐章的，一般的奏鸣曲都分为三到四个乐章，分别按一定的曲式进行组成（曲式在下一篇文章会重点讲）。
其中，最重要的自然就是钢琴奏鸣曲啦。钢琴毕竟是乐队中最独一无二最强的独奏乐器，拥有以一敌百的独奏能力，能够最大程度表现出独奏作品的特点。因此，钢琴奏鸣曲作为最重要的奏鸣曲，而奏鸣曲又作为最正式的独奏作品，钢琴奏鸣曲也就成为了最经典最重要的独奏作品。
具有代表性质的，例如：
贝多芬的“月光奏鸣曲”（贝多芬第十四钢琴奏鸣曲）
贝多芬的“悲怆奏鸣曲”（贝多芬第八钢琴奏鸣曲“悲怆”）
莫扎特的“土耳其进行曲”（莫扎特第十一钢琴奏鸣曲第三乐章）
室内乐
有了独奏作品后，肯定很多人会觉得还是不过瘾。独奏或者一个乐器加上钢琴合奏，总还是有些单薄。这个时候，就有了“室内乐”。当然，室内乐本身不是一种音乐体裁，其包含了很多种体裁。
室内乐顾名思义，就是可以在室内演奏的音乐。当然，事实上，任何音乐都可以在室内演奏。但室内乐一般指那种可以在小屋子一起演奏的感觉，例如，哪怕你家里住大别墅，也没法把大几十人的管弦乐团请来一起演奏吧。
大家也可以想象两百多年前的那个时候，听管弦乐团合奏其实是很奢侈的一件事，因为管弦乐团合奏一次就等于必须要去音乐厅，要凑齐接近一百个人，还要听众后勤组织宣传等等。比较惨的比如舒伯特，虽然写了九部交响曲，但却没有听到自己的交响曲演奏的机会。
因此，在那个时候，室内乐对于作曲家，反而是更加看得见摸得着的东西。例如，作曲家写一首三重奏后，叫两个自己的朋友到自己的家里，就可一起演奏了。
室内乐的体裁有很多种：
弦乐四重奏（小提琴×2 + 中提琴 + 大提琴）
钢琴三重奏（钢琴 + 小提琴 + 大提琴）
木管五重奏 （长笛 + 双簧管 + 单簧管 + 巴松管 + 圆号）
......
其中最经典的自然就是弦乐四重奏。弦乐器作为管弦乐团中最重要的部分，弦乐组组成的弦乐四重奏自然也是作曲家的可以拿来“练手”的作品。弦乐四重奏四个乐器遍布完整的音域，一些出色的弦乐四重奏往往充满了复杂而且美妙的对位法。
具有代表性质的，例如：
贝多芬的“春天”小提琴奏鸣曲 （贝多芬第五小提琴奏鸣曲）
贝多芬的“克罗采”小提琴奏鸣曲 （贝多芬第九小提琴奏鸣曲）
贝多芬的“大公”钢琴三重奏（贝多芬第七钢琴三重奏）
舒伯特的“死之少女”弦乐四重奏（舒伯特第十四弦乐四重奏）
协奏曲
有奏鸣曲和室内乐后，可能大家觉得不过瘾呀。
因此就有了协奏曲（Concerto），也就是 独奏乐器+完整的管弦乐团。
比如，钢琴协奏曲就是钢琴独奏+完整的管弦乐团，小提琴协奏曲就是小提琴独奏+完整的管弦乐团。
协奏曲一般以三乐章为主，最大的魅力也就在于独奏者和乐团的合作与竞争，（对于大多数作品）独奏乐器和整个乐团地位平等，互相争奇斗艳。
协奏曲的独奏者毫无疑问是全场最瞩目的焦点，需要有以一敌百的气质。协奏曲独奏者往往需要非常高超的演奏技巧，例如，一首小提琴协奏曲，其小提琴独奏部分，会比管弦乐团的第一小提琴第二小提琴难上很多很多。
而且，协奏曲最精彩的也是最有特色的地方之一则是华彩乐段（Cadenza）。
华彩乐段是协奏曲的一大传统，一般出现在第一乐章和第三乐章。
在华彩乐段，除了独奏者以外，其他乐器全部静默，由独奏者（即兴）演奏一段难度极高的独奏段落来展现自己的独奏技巧。
在协奏曲出现的最开始，华彩乐段往往是真的由独奏者自由发挥的（当然事实上很多独奏者肯定会提前准备好），因此留下来很多由独奏家自己写的经典的华彩段。但在后来，作曲家往往会把华彩乐段也写好，这一定程度限制了独奏者自由发挥的空间，但让作品风格更加统一。
具有代表性质的（又被民间称为“四大小提琴协奏曲”）：
贝多芬小提琴协奏曲
勃拉姆斯小提琴协奏曲
门德尔松第二小提琴协奏曲
柴可夫斯基小提琴协奏曲
还有一些钢琴协奏曲：
莫扎特第二十一钢琴协奏曲
贝多芬第五钢琴协奏曲“皇帝”
拉赫玛尼诺夫第二钢琴协奏曲
...
交响曲
交响曲（Symphony）自然可以说是古典音乐中最为重要，地位最崇高的（纯）音乐体裁。
跟代表独奏的奏鸣曲类似，交响曲本身也没有什么特别的意义，其代表的是管弦乐团的合奏。
因此，跟奏鸣曲类似，交响曲也就成为最为正式、严格、庄重的乐队合奏体裁。
因为其地位崇高，作曲家写作也极为谨慎，在很多情况下，作曲家写作的交响曲的历史地位直接决定了作曲家本人的历史地位。
在贝多芬之前的古典主义时期，交响曲写作还是非常随意的，规模庞大的交响曲很少，莫扎特写了四十几首，海顿写了一百多首。但从贝多芬后，交响曲开始被异常重视，甚至有一个玄乎其玄的“第九交响曲魔咒”——即，任何作曲家在写完自己的第九首交响曲后不久就会去世。
虽然这只是一个谈资罢了，但其可以体现交响曲的重要地位，一般音乐家的一辈子也就写大概九首交响曲而已。像勃拉姆斯这种，第一交响曲甚至磨磨唧唧写了二十年，足以说明对交响曲的重视程度。
交响曲，顾名思义，就是管弦乐团全体合奏，因此几乎所有交响曲都是没有钢琴的——毕竟钢琴不是管弦乐团的一部分。自贝多芬在其第九部交响曲首次加入合唱后，越来越多的交响曲也开始变成了管弦乐团+合唱团的形式。
作为代表，马勒的《第八交响曲》，用了规模庞大的合唱团，素有“千人交响曲”的称呼。
作为最为地位最高最严肃的体裁，作曲家自然会在交响曲创作上竭尽全力，交响曲也可谓是古典音乐史上的精华所在。
具有代表性质的：
贝多芬第三交响曲“英雄”
贝多芬第五交响曲“命运”
贝多芬第六交响曲“田园”
贝多芬第九交响曲“合唱”
...
小品
除了以上的这些相对非常正式的作品，剩下的器乐作品往往可以（非常笼统地）地归到小品来。
也就是，没有那么正视，相对通俗，形式自由的作品。
例如，李斯特的匈牙利狂想曲，肖邦的圆舞曲，玛祖卡，夜曲等。
像肖邦这种属于比较罕见的例子，反而是以小品见长，正式体裁作品反而相对没有那么出彩。
具有代表性质的：
肖邦的练习曲、夜曲、玛祖卡、夜曲、叙事曲、谐谑曲
李斯特的匈牙利狂想曲
门德尔松的无词歌
...
除此之外，还有一些带有声乐的作品。例如艺术歌曲、歌剧等。我们暂且还是以器乐作品为主。这些就先略过了。
现在，我们可以再回顾，古典音乐中哪些作品是最为重要的最被人看重的呢？
答案自然是：
交响曲
钢琴奏鸣曲
小提琴奏鸣曲
弦乐四重奏
钢琴协奏曲
小提琴协奏曲
...
从这里也可以看出为什么贝多芬拥有如此崇高的地位，因为在他在以上这些体裁中几乎都有非常著名而且地位极高的作品。
古典音乐作品的命名
对于绝大多数古典音乐作品，往往都会用非常朴素的命名方式。
也就是，作曲家名字+作品序号+体裁名字。
如果更加严谨的话，可能还会加上调性（调性预计下一篇文章会讲到），也就是：
作曲家名字+调性+作品序号+体裁名字。
例如，非常著名的贝多芬的“月光奏鸣曲”，其正式名称一般认为是：
《贝多芬第十四钢琴奏鸣曲》
《贝多芬升C小调第十四钢琴奏鸣曲》
因为“月光”这个名字太过出名，很多时候也会加上这个别名标题（当然，因为这个标题不是贝多芬所拟，严谨意义上是不应该加的）。这个时候就是：
《贝多芬升C小调第十四钢琴奏鸣曲 “月光”》
在英文中则是：
Beethoven Piano Sonata No. 14 in C Sharp Minor, "Moonlight"
意思就是，这是贝多芬创作的第十四首钢琴奏鸣曲，其调性是升C小调，其别名是“月光”。
（严格意义上其实并不是第十四首，但这是贝多芬自己所认可的自己的第十四首，因为还有一些年轻时候的稚嫩作品贝多芬不予认可为正式的带序号的钢琴奏鸣曲）
除此之外，一般作品还会有一个作品编号。例如这一首的作品编号是Op. 27, No. 2。
这表明，这首作品是贝多芬的第27号作品（集），然后这部奏鸣曲是在其第27号作品（集）的第二个作品。
因此，最简单的搜索“月光奏鸣曲”的方式就是直接搜索Op. 27, No.2即可。
但一般来说，是不会用主动作品编号去指代一部作品的，因为很难记。例如贝多芬的第九交响曲，都会直接这么称呼，而不会去说它的编号Op. 125。（当然也不一定，因为作品号最为直观，能精确地指定到作品。一些非常著名的作品号，例如贝多芬的最后一首钢琴奏鸣曲，称呼Op. 111的反而很多，因为实在是很好记。）
在理解以上内容后，去搜索音乐资源也就很容易了。
例如，贝多芬第九交响曲，可以搜索：
Beethoven Symphony No. 9
如果，你记得其编号是125，也可以搜索：
Beethoven Op. 125
一般来说，古典音乐作品都是这么命名的，非常直观，没有什么花里胡哨的。但也不一定，例如上一篇文章中提到的标题音乐，很多作品作者直接取了标题，这个时候往往不再用序号，而是直接用名字去称呼。例如柏辽兹的《幻想交响曲》，李斯特的《死之舞》，马勒的《大地之歌》。
后记
总而言之，这篇文章从乐器出发，简单地讲了一下各个体裁。
希望大家对乐器和体裁都有一个简单的认识。
预留目录：
通俗古典音乐入门指南（1）——导言
通俗古典音乐入门指南（2）——从乐器、乐队到音乐体裁
通俗古典音乐入门指南（3）——从简单乐理到曲式结构
通俗古典音乐入门指南（4）——乐章欣赏例（肖邦第一叙事曲）
通俗古典音乐入门指南（5）——适合入门者的古典音乐曲目
